Neoklassikaline teater – mida sageli nimetatakse teatriks – viitab liikumisele 17. sajandi keskpaigast kuni 18. sajandi alguseni, kus teatrikunsti määrasid Vana-Kreeka ja Rooma ühiskondade ideed ja stiilid. Tolleaegsed inimesed pöörasid suurt tähelepanu väärikale käitumisele ja realismile ning uskusid, et näidendi peamised põhjused on meelelahutuse pakkumine ja õppetunni andmine. Suurejoonelised, keerukad maastikud, viimistletud draama ja range hoolitsus klassika pärast olid liikumise tunnusmärgid, kusjuures enamikku lavastusi iseloomustas ka viie vaatuse kasutamine, vähesed etendused ja kõrge improvisatsioonitase. Liikumine sai alguse Prantsusmaal, kuid levis kiiresti kogu Euroopas ja mujalgi.
Ajastu juhtpõhimõte
Neoklassikalise ajastu üldine filosoofia oli, et eelnevad perioodid olid olnud liiga lõdvad, keskendudes liigselt emotsioonidele ja üksikisikule. Tolleaegsed inimesed uskusid, et seetõttu on vaja end vaoshoitada ja keskenduda rohkem sellele, mida iga inimene saab kogu ühiskonnale kaasa aidata. Nad otsisid inspiratsiooni selle kohta, kuidas seda teha iidsete kreeklaste ja roomlaste, algsete klassitsistide kultuuridest, ning püüdsid naasta selle juurde, kuidas need rühmad olid elu ja kunsti käsitlenud.
Viis reeglit
Neoklassitsistide suhtumine liialdusse ja üksikisikusse pani neid välja töötama ranged juhised selle kohta, mis teatris sobib. Need hõlmasid viit põhireeglit: vormipuhtus, viis tegu, tõepärasus või realism, kõlblus ja eesmärk. Mängumajad lükkasid üldiselt tagasi stsenaariumid või lavastused, mis neile nõuetele ei vastanud.
Neoklassikalise perioodi näitekirjanikud ja näitlejad tunnustasid ametlikult ainult kahte tüüpi näidendeid: komöödiat ja tragöödiat. Nad ei seganud neid kunagi omavahel ja piirang tõi kaasa nüüdseks tuntud paari rõõmsa ja kurva maski, mis sümboliseerivad teatrikunsti. Lisaks reguleerisid igas mängužanris esineda võivaid teemasid ja tegelasi täiendavad sätted. Komöödiad, mis olid kas satiirid või komöödiate komöödiad, kaldusid keskenduma ühiskonna madalamatele astmetele, samas kui tragöödiad kujutasid kõrgemate klasside ja kuninglike perekondade keerulist ja saatuslikku elu. Nendest žanritest kinnipidamine oli näidendi edu jaoks ülioluline ja nendest klassipiiridest kõrvalekaldumine läks vastuollu klassika korraldusega.
Idee, et näidend peaks olema üles ehitatud täpselt viiest vaatusest, on seotud Aristotelese välja töötatud kolme põhimõtte või ühtsusega. Filosoofina ja analüütikuna uskus ta, et hea, realistlik teater nõuab tegevuse, koha ja aja ühtsust, mis tähendab väga vähe osatükke, asukoha või geograafia nihke piiramist ja süžee ajakava hoidmist kuni 24 tunnini. Erinevatesse formaatidesse siirdunud näitekirjanikke tabas tavaliselt kõva kriitika. Lisaks viievaatuselisele piirangule anti enamikele tõsiseltvõetavatele lavastustele vaid üks või käputäis etendusi, sest asjaosalised soovisid vältida vaatemängu loomist ning kõnetada ühiskonnas eliiti või õppinud, mistõttu publikut jäi palju väiksemaks.
Sel perioodil elanud inimesed eeldasid ka tavaliselt, et näitlejad oleksid võimalikult realistlikud ja kujutaksid oma tegelasi täpselt nii, nagu nad oleksid käitunud. Teiste teatristiilide puhul olid näitlejad tuntud selle poolest, et nad olid liiga dramaatilised või tegutsesid väljaspool oma klassi või rolli, kuid neoklassitsism nõudis ranget klassi, sotsiaalse staatuse, temperamendi ja soo järgimist. Fantastilisi või üleloomulikke elemente koos sololoogide ja kooridega tavaliselt ei lisatud, kuna need ei esindanud reaalset kogemust ega käitumist.
Decorum nõudis stsenaariumide koostamist, et näidata tegelaste kujutamise ja laval hinnangute andmise õiglust. See tähendas ka seda, et vajaduse korral jagatakse õiglust, nii et neoklassitsistlikus teatris ei olnud üldiselt üllatuslikke lõppu selles mõttes, et terve moraalse hinnanguga tegelasi premeeriti alati ning kehva või kurja valiku teinud isikuid karistati. Lõppkokkuvõttes pidid lavastused täitma moraaliõpetuse andmise ja meelelahutuse eesmärki.
Lava, komplektid ja kostüümid
Neoklassitsistliku teatri võtted olid dramaatilised, viimistletud ja rikkalikud. Nende eesmärk oli pakkuda igale stseenile lopsakat tausta ja aidata publikul end draamas ära kaotada. Teine eesmärk oli luua realistlik illusioon sügavusest ja tajumisest. Lavad kujundati sel perioodil ümber dramaatiliste kaaredega, et tõsta esile stseene ja mitu lavale sisenemise punkti. Idee maastike ja taustade muutmisest muutub silmapaistvamaks, eriti rihmarattasüsteemide leiutamisega, mis võimaldas osadel laval kiiremini liikuda. Valgus- ja heliefektid tõstsid iga stseeni meeleolu ja sõnumit, suurendades dramaatilist kogemust.
Loomulikult oleksid üksluised rõivad nende uute komplektide ja lavakujunduste kontekstis mõnevõrra kohatud. Kuigi kostüümid säilitasid realistlikkuse tunde, olid need siiski väga värvilised, kasutades nende atraktiivsemaks muutmiseks sageli pitsi ja muid kaunistusi. Mõnikord kasutasid lavastuses osalejad ka maske, järgides commedia dell’arte stiili.
improvisatsioon
Paljudel juhtudel andsid dramaturgid süžeele vaid lõdva kontuuri ja näitlejatelt eeldati improviseerimist, et täita kõik lüngad. See oli rohkem levinud komöödiate puhul, kuid seda esines mõlemas vormis, sest esinemine oli sageli spontaanne otsus, mis ei jätnud alati palju aega kirjutamiseks või proovimiseks. Mõnes trupis olid inimesed spetsialiseerunud väga piiratud arvu tegelaste mängimisele, et nad saaksid isikuid lennult paremini tabada, ja mõned näitlejad pühendusid kogu oma karjääri jooksul samade rollide täitmisele.
Naiste tutvustus
Sadu aastaid tohtisid laval olla ainult mehed. Üldine seisukoht oli, et naisi ei tohiks avalikes etendustes kaasata ega silmapaistvamale positsioonile panna, ja mõned inimesed arvasid, et naised on nii hõivatud muude asjadega mõtlemisega, et nad ei mäleta ja ei suuda sõnu õigesti edastada. Pubekaealised poisid või mehed, kes suutsid oma häälega manipuleerida, võtsid seetõttu naiserolli. Neoklassikalisel perioodil aga lubati naistel olla teatrikompaniide aktsionärid ja osaleda lavastustes, mille tulemusel sündisid esimesed professionaalsed palgalised näitlejad.
Peamised näitekirjanikud
Kui neoklassikalise liikumise ajal oli palju edukaid näitekirjanikke, saavutasid kolm dramaturgi märkimisväärset edu ja tuntust. Pierre Cornielle’i (1606 – 1684) nimetatakse sageli Prantsuse tragöödia isaks, kes kirjutas stsenaariume enam kui neli aastakümmet. Jean-Baptiste Poquelin – paremini tuntud kui Molière (1622–1673) – on tuntud oma komöödiate poolest. Jean Racine (1639–1699) oli tragöödiakirjanik, keda armastati tema lihtsustatud lähenemise ning saavutatud keelerütmide ja efektide tõttu. Kõik need kolm meest suutsid võtta elemente klassikalisest kreeka ja rooma kirjandusest ja muuta need näidenditeks, mis järgisid neoklassikalisi dekoori, aja ja ruumi standardeid.